Arte que vimos este otoño

Mar 14, 2024

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De nuestros críticos, reseñas de exposiciones en galerías cerradas de la ciudad de Nueva York.

Por el New York Times

Chelsea

Hasta el 17 de diciembre. Pace Gallery, 540 West 25th Street, Manhattan; 212-421-3292, pacegallery.com.

Sonia Gomes no fue a la escuela de arte hasta los 45 años. Había estado deconstruyendo y reensamblando telas desde la infancia, pero al enfrentar los prejuicios como mujer afrobrasileña que trabajaba con textiles, pensaba que lo que hacía era una artesanía. Fue necesario un nuevo contexto para verlo como arte.

Ahora, Gomes, de 74 años, presentará su primera exposición individual en Nueva York, titulada “O Mais Profundo é a Pele” (“La piel es la parte más profunda”). Más que una retrospectiva, es una recopilación de trabajos recientes que demuestran tanto la variedad de sus enfoques sobre las telas como su dominio de ellas. Gomes utiliza objetos y textiles encontrados y donados, a menudo retorciéndolos, estirándolos y agrupándolos para crear formas nervudas o nudosas.

En la serie “Entre Pérola e Vergalhão” (“Entre perlas y barras de refuerzo”), las perlas están incrustadas en grupos de coloridos cojines que se encuentran encima de las barras de refuerzo, una metáfora para crear espacios enriquecedores (y apuntalarlos). En la serie “Tela-Corpo”, protuberancias de tela emergen de lienzos pintados con formas biomórficas, protuberancias que se sienten integradas, a pesar de ser disruptivas.

Si Gomes tiene un tema central, puede ser ese: un sentido de conexión voluntaria, una determinación de usar lo que está a mano para forjar algo inesperadamente hermoso. Mi pieza favorita, una obra sin título (2022) de la serie “Torção” (“Giros”), es una mezcla de medios y telas envueltas, cosidas y atadas para formar una red suelta. Parece haber nacido de la lucha, como si se hubiera luchado hasta crearlo, pero cuelga abierto y liviano, casi bailando en la pared. JILLIAN STEINHAUER

Chelsea

Hasta el 17 de diciembre. Galerie Lelong, 528 West 26th Street, Manhattan; 212-315-0470. galerielelong.com

La tensión en la escultura de madera de Ursula von Rydingsvard surge de su combinación yin y yang de fuerza bruta con delicadeza refinada. A sus 80 años, la escultora radicada en Brooklyn se encuentra en la cima de su reñido juego. En esta exposición de esculturas y dibujos, la mayoría realizados en los últimos dos años, se siente el esfuerzo (realizado por asistentes bajo su estrecha supervisión) que implica cortar bloques de su material favorito, el cedro rojo occidental. La madera de veta clara se colorea con grafito antes de que los componentes se ensamblen en formas, a menudo de 10 pies de altura o más, que atraen al espectador como emisarios animistas del mundo natural.

Nacida en Alemania de madre polaca y padre ucraniano, comenzó su infancia en campos de refugiados después de la Segunda Guerra Mundial, antes de que su familia de nueve miembros emigrara a los Estados Unidos y se estableciera en Connecticut. (El nombre aristocrático es el legado de su primer marido). En una declaración de artista, preguntó: "¿Por qué hago arte?" Su larga lista de razones comenzaba: “Principalmente, para sobrevivir. Para sobrevivir a la vida y todas sus capas implicadas. Para aliviar mi gran ansiedad, para adormecerme con el trabajo y el enfoque de construir mi trabajo”.

Sorprendentemente, esa lucha es evidente en el arte, incluso en las piezas fundidas de bronce (hay una en la exposición) que están hechas a partir de un modelo de madera. De las piezas de cedro, las que más me impresionaron fueron “Ursie 1” (2022) y “Here & There” (2011). Se curvan con la suavidad de los delantales y la dureza de los escudos. ARTURO LUBOW

Lado este superior

Estará abierto hasta el 17 de diciembre. Mnuchin Gallery, 45 East 78th Street, Manhattan; 212-861-0020, mnuchingallery.com; y Berry Campbell, 524 West 26th Street, Manhattan; 212-924-2178 berrycampbell.com

La pintora Lynne Drexler (1928-1999) llegó a Nueva York en 1955 y tuvo aquí su primera galería en solitario en 1961. Esas fechas hacen que sea un poco tarde para llamar a la artista expresionista abstracta o expresionista abstracta de segunda generación, al igual que las noticias. lanzamientos de su primera exposición individual en 38 años, “The First Decade”, que se presenta simultáneamente en dos galerías. Estos términos se han utilizado ampliamente últimamente; tal vez indiquen valor histórico y de mercado. Las pinturas de Drexler son bonitas y libres de angustia; Presentan nubes amorfas de pequeños puntos, rayas y cuadrados de colores vibrantes sobre lienzos crudos o manchados. Evocan mosaicos, textiles y diversos pintores postimpresionistas y parecen más creíbles alineados con la pintura Color Field.

La “primera década” que se cubre aquí es 1959-1969, un período fértil para el nuevo arte en Nueva York cuando pintores más jóvenes se enfrentaron a las pinturas de Pollock, entre ellos Yayoi Kusama, Frank Stella y Brice Marden. Drexler también lo hizo, pero en una dirección más convencional y que agradaba a la gente.

En Mnuchin, las pinturas y obras sobre papel datan de 1959 a 1964. Las mejores obras tienden hacia colores más claros, incluso pasteles, esparcidos sobre lienzos en bruto, o hacia tonos nocturnos profundos. Los colores se hacen más fuertes; En las imágenes entran cuadrados y círculos más grandes, al igual que rectángulos largos y delgados.

En Berry Campbell, donde se exponen obras de 1965 a 1969, el estilo de Drexler comienza a endurecerse. Los colores se vuelven repetitivos y las nubes de pequeñas formas se vuelven densas, abarrotando la superficie. Los rectángulos agrupados se transforman en formas abultadas y estriadas que sugieren inundaciones, ondas de humo, nidos de avispas u grandes olas agitadas. La seductora ligereza de las pinturas anteriores ha desaparecido, lo que no es una buena señal. ROBERTA SMITH

Chelsea

Hasta el 23 de diciembre. Jack Shainman Gallery, 513 West 20th Street, Manhattan;212-645-1701, jackshainman.com.

¿Cómo se puede superar “Mastry” (2016-2017), la retrospectiva itinerante de la carrera de Kerry James Marshall en el museo, considerada una de las exposiciones más importantes de la última década? En “Exquisite Corpse: This Is Not the Game”, en Jack Shainman, su primera exposición en una galería de Nueva York desde “Mastry”, Marshall ofrece una solución inteligente: en lugar de presentar sus característicos grandes cuadros figurativos de historia, juega 20 rondas de exquisitos cadáveres. , el juego de salón que los surrealistas hicieron famoso.

En ese juego, se pasa una hoja de papel de un jugador a otro: cada uno dibuja un segmento del cuerpo (cabeza, torso, piernas, pies) y luego dobla esa sección, ocultándola. El objetivo era socavar los enfoques conscientes y racionales y confiar en el azar para crear una obra de arte fantástica. Sólo que aquí Marshall asume el papel de cada actor: varias firmas al pie de las obras dicen: "Kerry Marshall", "Marshall, Kerry J." y “KJM”

Pinturas como “Sin título (Exquisite Corpse Rollerblades)” (2022) ofrecen una versión lúdica de la figura femenina reclinada, mientras que acuarelas como “Sin título (Exquisite Corpse Snowman)” (2022) son una combinación surrealista de elementos humanos y no humanos. En manos de Marshall, sin embargo, la palabra “cadáver”, adjunta a la figura negra, evoca episodios oscuros, y “juego” sugiere, tal vez, cómo la vida ha sido históricamente manipulada contra las personas de color. El truco es que Marshall controla todos los elementos aquí, creando yuxtaposiciones divertidas, curiosas, hilarantes y absurdas. Es un cadáver exquisito muy expandido, explotado: la identidad es un juego; el arte es un juego. ¿O es eso? Marshall juega exquisitamente con estos hechos. MARTHA SCHWENDENER

Chelsea

Hasta el 22 de diciembre. Paula Cooper Gallery, 534 West 21st Street, Manhattan; (212) 255-1105, paulacoopergallery.com.

Desde el comienzo de su carrera, Paul Pfeiffer ha utilizado a menudo el espectáculo de retransmisiones deportivas profesionales, editando cuidadosamente películas existentes para extraer momentos existencialmente intensos. En un trabajo anterior, vació digitalmente un partido de baloncesto de todos los jugadores menos uno que, aislado, parece atrapado en un momento de éxtasis aislado o agonía. En otro, eliminó todo de un juego de baloncesto excepto la pelota que se muestra girando mágicamente en el aire o corriendo por la cancha.

En “Red Green Blue”, su último trabajo, Pfeiffer revela toda la bola de cera (todo excepto el centro) de un partido de fútbol universitario de la Conferencia Sureste entre la Universidad de Missouri y la Universidad de Georgia, en el estadio de esta última en Atenas, Georgia. Y usando ocho cámaras y seis micrófonos, Pfeiffer lo filma él mismo y lo edita en profundidad para mostrarnos todo menos el juego en sí. En cambio, expone el vasto aparato que crea su pompa: locutores que anuncian el juego, un productor que dirige las cámaras, directores musicales y directores de banda que dirigen una gran banda de música sentada, espacios ocasionales de fanáticos y una vista de rodillas de los entrenadores y jugadores caminando de un lado a otro. los márgenes. También se ve, desde lejos, gente saliendo del estadio, y un poco más allá, un pequeño cementerio del siglo XIX entre un grupo de árboles (¿pinos de Georgia?), añadiendo una nota elegíaca. Casi todo se ve en primer plano: los cuellos y las sonrisas de las porristas, el auricular y el cabello rubio del productor, las pantorrillas y las rodilleras de los jugadores de Georgia. Éste es el macrocosmos visto desde los márgenes, como mirando un hormiguero. No está del todo claro quién está provocando lo que sucede, solo sabes que, juntos, lo están. ROBERTA SMITH

No Ho

Hasta el 23 de diciembre. Eric Firestone Gallery, 40 Great Jones Street, Manhattan; 646-998-3727, ericfirestonegallery.com.

Las pinturas de Peter Williams tienen una cualidad que yo describiría (sin juicio de valor) como "demasiado". Sus obras son llamativas, con conjuntos de colores formados en cuadrículas, rayas o puntos; presentan figuras caricaturescas en estados de ensueño, en medio de imágenes simbólicas como pelotas de baloncesto, máscaras africanas, orejas de Mickey Mouse y flores. Cada cuadro es un rompecabezas tan repleto de sentimientos e ideas que no puedo evitar deslumbrarme.

Williams, quien murió el año pasado, dedicó su carrera a explicar las múltiples dimensiones personales y públicas de ser negro en Estados Unidos. Lo hizo con seriedad y humor, utilizando una variedad de técnicas pictóricas y una fuerte dosis de grotesco. Gran parte de su trabajo que había visto antes de esta exposición actual, “Nyack”, era visualmente brillante y emocionalmente oscuro, y representaba la violencia. Por el contrario, las pinturas aquí conservan su fuerza moral pero abordan su tema de manera más indirecta.

Tomemos, por ejemplo, la pieza de resistencia y homónimo de la muestra, un díptico de 11 pies de largo de 2013. El título se refiere a la ciudad natal de la infancia de Williams y la composición alude a la pintura de John Singleton Copley de 1778 "Watson y el tiburón". Sin embargo, la escena cubista sigue siendo críptica. Un barco lleno de gente parece llevar a una figura negra escondida a un lugar seguro, mientras que otra, desmembrada, flota en el agua.

¿Es Nyack un lugar de refugio o de peligro? Aparentemente ambos. Como los mejores acertijos, las pinturas de Williams te obligan a descifrarlos, pero su grandeza reside en negarse a brindar la comodidad de una solución fácil o definitiva. JILLIAN STEINHAUER

NoLIta

Hasta el 22 de diciembre. Helena Anrather, 132 Bowery, Manhattan; 212-343-7496; helenaanrather.com.

Lo primero que se nota en las pinturas “Miami” del artista iraní-estadounidense Nicky Nodjoumi, que abandonó Irán en 1980 después de que la nueva República Islámica cerrara su exposición en el Museo de Arte Contemporáneo de Teherán, son los pies. Varias figuras que aparecen al revés, como en “Departure” de Max Beckmann, dejan claro que estamos ante imágenes oníricas, en las que las ideas se encuentran con sus opuestos y nunca puedes estar seguro de si estás volando o cayendo. (También hay botellas de vino, revólveres, caballos gritando, sandías, un cadáver envuelto en una bandera, una variedad de nubes de color gris azulado y varios mulás y políticos haciendo tratos nefastos). Las figuras al revés también enfatizan la composición vertical de las piezas. que evoca la pintura tradicional persa incluso al mismo tiempo que crea una sensación de pesadilla sin aliento: en lugar de resolverse en una secuencia inteligible, los recuerdos, símbolos y referencias de Nodjoumi simplemente se acumulan, uno encima del otro.

La otra cosa acerca de los pies, sin embargo, es que son objetos encantadores de pintar, absolutamente familiares pero con una forma curvilínea e idiosincrásica que ofrece mucho espacio para generosas franjas de color. Representados en varios tonos de rosa rosado, los pies que aparecen en las pinturas de Miami añaden algo crítico. Contrarrestan la violencia y el desorden de los que Nodjoumi apenas logró escapar después de la revolución islámica con belleza y con algo que se parece mucho al amor. HEINRICH

Chelsea

Hasta el 22 de diciembre, Paula Cooper Gallery, 534 W 21st Street, Manhattan; paulacoopergallery.com.

El fotorrealismo puede ser un ejercicio mortalmente aburrido: un dominio egoísta sin sentido. Pero Rudolf Stingel nunca parece interesado en el egoísmo; está demasiado ocupado con cómo se experimenta una pintura, y a menudo ataca la seriedad del arte: es el raro conceptualista con sentido del humor. (En 1989, Stingel publicó un manual para hacer una pintura minimalista y luego pasó la siguiente década siguiendo sus propias instrucciones inexpresivas).

Esta vez no hay alfombras cutres ni paredes revestidas con aislamiento plateado para crear el ambiente, solo cinco tranquilas pinturas de pinturas o, más exactamente, pinturas de Polaroids de pinturas. Stingel fotografió varios de sus resúmenes anteriores y tradujo las imágenes a pintura, incluidas no solo las pinturas originales sino también las paredes de madera contrachapada o de concreto en las que estaban colgadas, y la luz del sol suavemente moteada que las bañaba en el momento de su creación. Las imágenes finales son reales a escala, pero ¿de quién es la verdad? Dependiendo de tu estado de ánimo, representan un astuto bucle infinito de percepción táctil o el comienzo de un dolor de cabeza.

Stingel ha estado buscando este tipo de cosas durante 40 años, evidentemente sin cansarse de la búsqueda ni satisfecho con las respuestas que es capaz de adivinar. Sus exploraciones teóricas de la pintura como algo mecánico, un proceso que puede replicarse y divorciarse del sentimiento humano, pueden ocasionar una crisis existencial. Pero también presagiaron la lucha actual del arte entre tecnología y autoría, una lucha que es mucho más tediosa, en gran parte porque carece del ingenio de Stingel. MAX LAKIN

Lado este superior

Hasta el 23 de diciembre. Sprüth Magers, 22 East 80th Street, Manhattan; 917-722-2370, spruethmagers.com.

Apenas perceptible, la bandera estadounidense aparece sólo como una aparición, un fantasma. ¿O ha quedado atrapado en pleno proceso de vaporización? Las fotografías de la bandera en “Not Enough to See”, una exposición individual de Louise Lawler de nuevas obras que se inauguró días antes de las elecciones de mitad de período, se leen como una potente metáfora de la democracia en los Estados Unidos en una era en la que las mentiras electorales entraron en la corriente principal.

Pero las fotos aquí en realidad documentan la desinstalación en febrero de la épica retrospectiva de Jasper Johns del Museo Whitney, "Mind/Mirror". Lo más destacado es su pintura icónica “Tres banderas” (1958), vista descentrada a la derecha en el encuadre de la cámara en cada una de las siete iteraciones de las fotografías de Lawler sobre este tema. Cada uno capta el movimiento de la cámara creando un efecto de desenfoque diáfano. A veces, solo la pintura de Johns es visible dentro del espacio en blanco del museo, como en “Tres banderas (deslizada de nuevo, una)” (2022), donde una franja blanca central en la pintura desaparece o se mezcla perfectamente con el blanco de la pared detrás de ella. En otros, las cajas etiquetadas para obras de arte listas para su envío o almacenamiento también son visibles a la izquierda.

La elección de Lawler de utilizar el término "deslizar" en todos los títulos de esta serie también sugiere un vínculo entre las elecciones y las aplicaciones de citas. También nos recuerdan que Johns eligió pintar su pila de tres banderas en encáustica, un medio de pigmento suspendido en cera que se vuelve líquido cuando se calienta. Estas banderas, como la propia democracia, son imponentes pero, en última instancia, frágiles. JUAN VINCLER

TriBeCa

Hasta el 21 de diciembre. Proyectos Ortuzar, 9 White Street, Manhattan; 212-257-0033; ortuzarprojects.com.

La nueva y memorable exposición de June Leaf en Ortuzar Projects resume décadas de trabajo del artista de 93 años. Hay dibujos sin marco de figuras sombrías que enfrentan dilemas existenciales. Hay una pintura expresiva con los colores del arco iris de lo que parece una ballena sonando. Y hay dispositivos evocadores, parecidos a la Torá, construidos con piezas y mallas de máquinas de coser antiguas, así como un montón de pequeñas figuras elegantes cortadas de hojalata. Pero “dibujo, pintura y escultura” difícilmente parecen ser las palabras adecuadas para todo esto, porque todas las piezas parecen menos objetos que gestos urgentes, reflexivos pero intuitivos, que Leaf simplemente hizo con carbón o lámina de metal en lugar de con su cuerpo.

El mejor trabajo está en las figuras, que son engañosamente precisas a pesar de sus asperezas. Ocultan detalles divertidos e inquietantes, como chinchetas para los senos o un alfiler en forma de bisagra que sobresale entre dos piernas. Leaf envía a sus pequeños avatares arriba y abajo escaleras de caracol y los hace caminar a lo largo de hilos de alambre gruesos y rizados como si estuvieran en el circo. Una pequeña figura vuela con alas huecas mientras un par de figuras más grandes, en “Two Women on a Jack”, preparan sus baquetas para tocar un círculo vacío de alambre: una metáfora tan hermosa de la cualidad obstinada del arte como he imaginado. jamas visto. HEINRICH

La parte baja al este

Hasta el 23 de diciembre. Perrotin, 130 Orchard Street, Manhattan; (212) 812-2902, perrotin.com.

Esta es la primera salida a una galería del colectivo de Brooklyn conocido como MSCHF (pronunciado travesura), bien conocido más allá del mundo del arte por sus bromas que se burlan de la cultura de las mercancías. En la pieza más llamativa de esta muestra, esa cultura llega a incluir una obra de arte.

Para ese trabajo, “Severed Spots”, los creadores de MSCHF gastaron casi 45.000 dólares en una impresión de Damien Hirst que tenía 108 de sus marcas registradas. Luego separaron esos espacios para que funcionaran como obras independientes de MSCHF, a la venta en Perrotin por 4.400 dólares cada una. La impresión de Hirst, ahora una red de agujeros sin manchas, se cotiza en 75.000 dólares. El beneficio es el verdadero tema y fuente de arte de esta obra.

En otro proyecto, también expuesto en Perrotin, MSCHF ofrece forjar el metal de cualquier arma en una espada: ya han convertido un lanzagranadas en una enorme espada de dos manos; una escopeta de bombeo es ahora una daga escocesa. Si los estadounidenses quieren portar armas, tal vez éstas se acerquen más a lo que imaginaron los padres fundadores.

El proyecto conocido como “Zapatos ondulados” consiste en zapatillas de marcas como Adidas y Asics rediseñadas por MSCHF para que parezcan medio licuadas, como zapatos vistos en un espejo de casa de la diversión. El precio y el estatus del calzado de alta gama claramente no tienen que ver con su función; Al crear versiones que usted nunca podría ejecutar, MSCHF pone ese hecho a la vista.

Algunos asistentes a las galerías se preguntarán si todo este juego cáustico cuenta como arte. Mi pregunta, más bien, es si encaja demasiado cómodamente en el género del arte empresarial establecido hace décadas por Andy Warhol y sus compañeros conceptualistas, y luego perseguido por descendientes como Takashi Murakami y Hirst. Los puntos quirúrgicamente alterados de MSCHF podrían ser casi con la misma facilidad obra del propio Hirst. . BLAKE GOPNIK

barrio chino

Hasta el 4 de diciembre. 56 Henry, 105 Henry Street, Manhattan; 646-858-0800, 56henry.nyc.

Un billete de lotería raspable usado, partido en cuatro, crea una cuadrícula fracturada. Las palabras y frases legibles “WIN” y “CASH / 4LIFE” en los dos fragmentos superiores irónicamente solo indican esperanzas frustradas. Si bien el billete de lotería puede ser un fracaso, la obra de arte de Al Freeman que lo representa (una escultura colgada en la pared como una pintura) logra capturar la energía vivaz de una carcajada con voz ronca.

Las cuatro obras juntas en “Floors” cuentan una historia en esta pequeña pero bulliciosa exposición, la quinta exposición individual del artista con sede en Brooklyn en la galería. “Boleto de lotería en piso de madera oscura” (todas las obras son de 2022) va acompañado de un recibo de CVS que promete “$3,00 de descuento” junto con un puñado de centavos en “Recibo y cambio en el pavimento”. Las otras dos obras ilustran cada una paquetes de medicamentos de venta libre: los paquetes azules rotos y gemelos en “Alka-Seltzer on Blonde Wood” y el par desmenuzado derramando sus ocho tabletas como lunares rosados ​​en “Pepto Bismol on Checkered Floor”.

Todos están compuestos principalmente de vinilo de colores del tipo que encontrarías cubriendo la mesa de un restaurante clásico de Nueva York, incorporando también espuma, relleno de fibra de poliéster y cuero, lo que sugiere aún más tapicería. Este formato montado en la pared muestra a Freeman evolucionando y perfeccionando su oficio más allá de una inteligente reinvención de la escultura blanda de Claes Oldenburg actualizada para el siglo XXI. Ella es una aguda observadora, literalmente aquí, de las calles y pisos de Nueva York, con la habilidad de un caricaturista para perfeccionar un objeto familiar hasta su esencia. Ingenioso, vanguardista y cómodo. JUAN VINCLER

LA PARTE BAJA AL ESTE

Hasta el 4 de diciembre. 601Artspace, 88 Eldridge Street, Manhattan; 212-243-2735, 601artspace.org.

En 1969, Mierle Laderman Ukeles escribió un manifiesto a favor del “arte de mantenimiento”. Propuso una exposición que destacara las tareas que intervienen en el mantenimiento de la vida cotidiana, incluida la limpieza y el cuidado de los demás. “Muestre su trabajo, muéstrelo de nuevo”, escribió sobre la naturaleza repetitiva y a menudo oculta de este tipo de trabajo.

En esta exposición colectiva, curada por la artista Gabriela Vainsencher y la directora de 601Artspace, Sara Shaoul, los colaboradores siguen y complican ese encargo. Cerca de la entrada cuelgan tres grabados de Ukeles que representan relojes de trabajo; sus descendientes conceptuales directos son los “Copper Surrogates” de Walead Beshty (2017-22), dos formas de L montadas en la pared que serían ejemplos de minimalismo si no fuera por las huellas dactilares que las cubren. Beshty exige que las esculturas se manipulen sin guantes, ya que así quedan huellas del trabajo humano.

La mayoría de los artistas aquí no muestran su trabajo sino que señalan los sistemas que determinan su valor. En “Untitled (Say Her Name)” (2011-15) de TJ Dedeaux-Norris, el artista, que usa pronombres ellos/ellos, intenta separar sus labios, que están pegados. Una potente metáfora de los efectos del racismo y el sexismo, el vídeo mudo evoca un malestar visceral que, para mí, se vio acentuado por la instalación cercana de Roman Signer. “Schnarchen (Snoring)” (1992) presenta una carpa y una pista de audio de Signer roncando, en alusión a una actuación que realizó en Islandia. Es gracioso, pero al escuchar a Signer dormir mientras observaba la lucha de Dedeaux-Norris, no pude evitar pensar en quién tiene licencia para tomárselo con calma y quién tiene que trabajar más duro para ser escuchado. JILLIAN STEINHAUER

LADO ESTE SUPERIOR

Hasta el 26 de noviembre. Acquavella, 18 East 79th Street, Manhattan; 212-734-6300, acquavellagalleries.com.

El nuevo programa de Tom Sachs se llama "Spaceships". Los fanáticos del programa espacial del artista, que complacerá al público, no se sentirán decepcionados. Para aquellos cansados ​​de ese truco, la exposición también incluye un plato giratorio Technics hecho de madera, una aspiradora vertical con un bolso Chanel antiguo para la suciedad y un modelo Titanic que realmente se hunde. Es el tipo de escultura que hacen los contratistas internos del museo cuando las cosas van lentas, sólo que más. El personal de su estudio estuvo presente en la concurrida inauguración, visible entre las masas por el parche de 10 balas en sus camisas de trabajo: una bala por cada punto del estricto código de conducta de Sachs. Con un conjunto de habilidades que incluye construcción, carpintería, escultura y iluminación eléctrica, no son tanto fabricantes como acólitos de una religión del bricolaje.

Mientras los trabajadores del arte se enfrentan a la dirección en Filadelfia y gritan Highsnobiety y El intento de Christie de comercializar su trabajo, esta muestra habla del técnico de exhibición y del preparador de galería. La madera contrachapada sin pintar es una bonita madera contrachapada, los tornillos visibles a lo largo de las líneas de lápiz conscientemente no borradas son bonitos tornillos. Incluso hay un verdadero santuario para la batería Makita de 18 voltios montada en una pared, filas de ellas cargándose en sus soportes, esperando su turno para encender los LED en las pantallas de los módulos de aterrizaje extraterrestres elaborados a partir de una caja de arena autolimpiante o un cubo de trapeador. , un pequeño y rígido Stars and Stripes plantado en su techo. Es un homenaje a la estética del manipulador de arte, a pesar de las naves espaciales. TRAVIS DIEHL

CENTRO DE LA CIUDAD

Hasta noviembre 26. Luxemburgo + Co., 595 Madison Avenue, Manhattan, 212-452-4646, luxembourgco.com.

El genio modernista suele encontrarse mejor en las galerías comerciales, con sus condiciones íntimas de visualización y su falta de autoridad institucional y de tarifas de entrada. Lo mismo ocurre con “Joan Miró: Pies en el suelo, ojos en las estrellas”, la emocionante exposición inaugural que revisita los primeros años radicales de este artista catalán en Luxemburgo + Co. Anteriormente la mitad de Luxemburgo y Dayan en los años 70 del este, los nuevos barrios de la galería se encuentran en el legendario edificio Fuller, el gran hito Art Deco en 57th Street y Madison Avenue. En su antigua dirección, 41 East 57th Street, alguna vez albergó varias de las principales galerías de Nueva York; su dirección actual es 595 Madison Avenue, más peatonal. Imagínate.

La muestra examina la ruptura de Miró con la pintura tradicional y la moderación adulta, después de su liberadora exposición al modernismo francés en general y al surrealismo en particular. Redujo su medio a un exuberante dibujo automatista sobre campos monocromáticos de color. Sus formas biomórficas a menudo eran simplemente delineadas, como en “El beso” (1924), donde se puede localizar el punto de contacto y tal vez algunas chispas azules (o pelos o pétalos), pero no mucho más. Algunas formas están ligeramente rellenas, como en la más legible “Pintura (Los amantes – Adán y Eva)”, de 1925. Destacan dos obras de gran tamaño, ambas tituladas “Pintura” (1936), donde Miró improvisó sobre la cruda y brillante lado de Masonite, mezclando formas y contornos negros con toques de color. Están presagiados por dos obras de 1924 dibujadas escasamente a lápiz sobre tapas de cajas de cigarros pintadas de blanco. El blanco fisurado sugiere tanto tierra refinada como éteres flotantes: un paisaje lunar para las misteriosas criaturas ingrávidas de Miró. ROBERTA SMITH

BROOKLYN

Hasta el 27 de noviembre. Fondo de Arte Público en Brooklyn Bridge Park, 334 Furman Street, Brooklyn; 212-223-7800, publicartfund.org.

Cuando recientemente me senté en un banco sombreado en el Brooklyn Bridge Park para contemplar “Agali Awamu (Unión)” de Leilah Babirye, un conjunto de esculturas de pino talladas de nueve pies de altura que forman parte del espectáculo de cinco personas “Black Atlantic”, Justo detrás de ellos pasaba un enorme barco llamado SSI Magnificent.

Competir con el movimiento constante del puerto de Nueva York, sin mencionar el glorioso puente de Brooklyn con cinturón de acero, no es fácil. Pero Daniel S. Palmer y el artista Hugh Hayden, curador de “Black Atlantic” para el Public Art Fund en torno al tema de las identidades de la diáspora africana, utilizan la incongruencia a su favor. Las figuras fornidas y oscuras de Babirye, cada una adornada con engranajes oxidados y trozos de metal como joyas, dan la espalda al agua, como amigos, o tal vez simplemente compatriotas, que han sido llevados a la costa en una tierra extraña. Situados a la vista de la Estatua de la Libertad, sirven como un contundente contrapunto a la idea de un Estados Unidos construido principalmente por inmigrantes dispuestos.

Las otras obras de la muestra tienen una ambigüedad similar, mezclándose cómodamente con el exuberante parque incluso cuando lo interrumpen con una trama diferente. Kiyan Williams hace una versión grande de la “Estatua de la Libertad” de bronce que se encuentra en lo alto del Capitolio de los Estados Unidos y luego la cubre con tierra, como si hubiera estado enterrada durante cuatrocientos años; Hayden aporta un bote de remos surrealista e inquietante con costillas de madera incorporadas y vértebras parecidas a las de una ballena; Las meditativas placas de acero con forma de estrella de mar de Tau Lewis están adornadas con patrones africanos; y el sofá de concreto de Dozie Kanu encapsula la incómoda belleza de una identidad híbrida mientras se asienta sobre llantas de alambre al estilo de Texas. HEINRICH

Brooklyn

Hasta noviembre. Museo de Brooklyn, 200 Eastern Parkway, Brooklyn. 718-638-5000; brooklynmuseum.org.

El arte es genial, pero ¿alguna vez te has detenido a contemplar realmente la maravilla de un árbol? La plaza al aire libre del Museo de Brooklyn ha sido ocupada por “The Grey-Green Divide”, una instalación site-specific realizada por la periodista de datos británica Mona Chalabi, radicada en Nueva York, que me hizo pensar en los placeres y privilegios contrastantes de ver arte. y pasar tiempo en la naturaleza. Sus dibujos en tinta y lápices de colores de los 100 árboles más comunes de la ciudad de Nueva York se reproducen en las paredes y los escalones de la entrada del museo. Un par de mapas de Brooklyn adjuntos revelan que las áreas con más árboles permanecen considerablemente más frías, mientras que un gráfico muestra una correlación entre la riqueza del vecindario y la cantidad de árboles. Mi hija de 5 años quedó lo suficientemente conmovida por la exhibición como para abrazar un árbol a lo largo de Eastern Parkway porque los árboles ayudan. Yo también comencé a ver los árboles de manera diferente, como indicadores de desigualdad social urbana.

Luego puedes caminar desde la plaza hasta el vecino Jardín Botánico de Brooklyn o el cercano Prospect Park. He pasado innumerables horas estos últimos dos años aquí sintiéndome como si hubiera escapado de la ciudad mientras caminaba por Lookout Hill o al considerar los numerosos árboles antiguos e impresionantes del parque, como el Camperdown Elm importado de Escocia y plantado cerca del Boathouse en 1872. Más tarde inmortalizado en verso por Marianne Moore. La instalación de Chalabi me recordó uno de los estándares más clarificadores del arte. ¿Cómo se compara una obra de arte determinada con un árbol cuidadosamente considerado? JUAN VINCLER

PUEBLO DEL ESTE

Hasta el 5 de noviembre. Karma, 188 y 172 East Second Street, Manhattan; 212-390-8290, karmakarma.org.

Las 30 artistas femeninas que aparecen en “Pintura en Nueva York: 1971-83” podrían sorprenderse al encontrarse juntas en la misma habitación. Lienzos abstractos se encuentran junto a representaciones de figuras humanas. La pintura tradicional se aumenta o reemplaza por otros materiales. Comisariada por Ivy Shapiro, es una presentación estupenda y esclarecedora.

“Cebras” de Emma Amos (alrededor de 1980) está pintada sobre una tela hecha a mano, combinando el tejido con la aplicación de pigmentos más convencional. “Erotic Yellow” (1973) de Joan Semmel presenta una imagen semiexplícita de una pareja interracial. Los lienzos geométricamente abstractos de Faith Ringgold de 1974 se muestran con una escultura suave que presenta tres figuras. “Sin título (Rueda de agua)”, de Ellen Phelan, de la década de 1970, está apoyada en el medio de la sala. En realidad, las dos “pinturas” de Ida Applebroog están ejecutadas en vitela transparente.

Muchos artistas conocidos se encuentran aquí, incluidos Elizabeth Murray, Susan Rothenberg, Pat Steir, Dorothea Rockburne, Howardena Pindell y Mary Heilmann. Algunas de las obras más interesantes, sin embargo, son de artistas menos conocidos como Betty Blayton, Vivian Browne y Martha Diamond.

En la pared, Shapiro ofrece una presentación estelar de la pintura en una época en la que el medio era menospreciado, y gran parte del trabajo parece increíblemente fresco hoy. Más allá de esto, sólo puedes imaginar algunos de los argumentos que se gestan en torno a la estética, el feminismo, la raza y la sexualidad, ya que los pintores incluidos aquí pertenecían a generaciones anteriores a la de Shapiro, con muchas de sus propias enemistades y facciones artísticas. Quizás estos se aborden en el próximo catálogo, que incluye ensayos de críticos destacados como Hilton Als y Lucy Lippard. MARTHA SCHWENDENER

SOHO

Hasta el 5 de noviembre. Peter Freeman Inc., 140 Grand Street, Manhattan, 212-966-5154, peterfreemaninc.com.

El arte delicado pero riguroso de Fernanda Gomes (nacida en 1960, Brasil) es bien conocido internacionalmente, por lo que no debe perderse su primer solo en Nueva York desde 2006. En este hermoso arreglo de más de 30 piezas de pared, piezas de piso e instalaciones de repuesto, cada esfuerzo te hace ver más completamente lo que vino antes. Muchos son pequeños. La mayoría se construyen a partir de restos de madera, tableros de partículas o partes de muebles encontrados en la calle; las adiciones juiciosas de pintura blanca rara vez disfrazan usos anteriores. Partes de obras más complejas pueden aparecer en otras piezas en otros momentos. Otros son temporales y dejan de existir al final del espectáculo. Aquí, por ejemplo, los materiales que no se utilizan para esta exposición se apilan a un lado y, sin embargo, se citan como un trabajo en la lista de verificación.

Entre los ecos que se pueden observar aquí se encuentra un fragmento largo e irregular de torno roto de otro en una obra cercana, o una segunda versión, más minuciosamente pintada, de un relieve de pared de 2014. La nueva versión cuelga en un recinto cubierto de malla, junto con cinco pequeños cuadrados aparentemente planos de madera pintada o lino, cada uno de los cuales refleja la luz de manera diferente o contiene una sorpresa perceptiva. El ancestro un poco más desaliñado del relieve está justo afuera. El arte de Gomes une pintura, escultura e instalación, al mismo tiempo que se basa en múltiples tradiciones del siglo XX. Su capacidad para filtrar estos precedentes a través de su propia sensibilidad es como su reciclaje de materiales: hace que todo parezca no nuevo, sino fresco, lo que puede ser mejor. ROBERTA SMITH

Chelsea

Hasta el 29 de octubre. Pace Gallery, 540 West 25th Street, Manhattan; 212-431-3292, pacegallery.com.

Desde mediados de la década de 1980, la artista brasileña Beatriz Milhazes ha cultivado una forma de pintura abstracta en la que la geometría modernista se potencia con sugerencias de globos, candelabros, serpentinas y otros artículos de fiesta de segunda mano. Su potencial implícito de intensidad sorprendente ahora es explícito. Si los 10 nuevos lienzos de esta exposición, la primera en Nueva York desde 2015, no son los mejores todavía, son sin duda los mejores que ha expuesto hasta ahora en la ciudad. La muestran muy al mando, ampliando sus referencias, ajustando sus composiciones y clarificando sus colores en hermosas pinturas que resisten la fácil digestión.

Los patrones de Milhazes se han refinado y multiplicado. Utiliza varios tipos de ondas y festones, todo tipo de rayas y puntos. Campos de círculos concéntricos dorados, negros y lavanda actualizan los fondos de Gustav Klimt; Los círculos multicolores renuevan el de Sonia Delaunay. Los riffs textiles y de diseño de interiores son omnipresentes. Pequeños agregados de formas cuadradas, todas líneas rectas, evocan la abstracción modernista desde Mondrian en adelante, mientras que cada composición también contiene una ramita de flores de arte campesino.

Estas pinturas son en cierto sentido collages, pero construidas con tanto cuidado como mecanismos de relojería. Son muy divertidos de analizar: llenos de sorprendentes repeticiones y variaciones (considérese la esquina inferior derecha de “Cirandinha”). El título del programa, “Mistura Sagrada”, reconoce su locura y pureza.

Arriba de las pinturas cuelga una de las piezas de instalación que Milhazes hizo ensartando miles de adornos de fiesta en cientos de hilos invisibles. Habría sido mejor resistirse a esta idea. Devuelve el creciente vocabulario de Milhazes a sus fuentes originales. ROBERTA SMITH

Chelsea

Hasta el 29 de octubre. Hauser & Wirth, 542 West 22nd Street, Manhattan; 212-790-3900, hauserwirth.com.

Un río no es un muro. Aunque se le pueda poner en servicio para marcar una frontera, un río no se quedará quieto. Los ríos fluyen, crecen, retroceden, cambian de curso y serpentean. Pueden ser transitables o puenteables, pero hacerlo puede ser peligroso, ilícito y vigilado.

“Al Río/To the River” de Zoe Leonard documenta el Río Grande donde divide a Estados Unidos de México. A partir de 2016, Leonard produjo más de 500 fotografías que trazan su camino desde El Paso y Ciudad Juárez hasta el Golfo de México durante cuatro años. A veces, la cámara de este artista radicado en Nueva York permanece quieta mientras el agua y el mundo siguen moviéndose: una familia hace un picnic junto a la orilla, una bandada de pájaros levanta el vuelo desde un campo. Otros conjuntos resaltan la calidad de un río de una carretera o de una huella de neumático. ¿Es el callejón sin salida circular de un camino de tierra polvoriento un punto de bajada o simplemente un giro? En otra serie, un helicóptero que se eleva sobre una línea de árboles sugiere el río como lugar de vigilancia.

Sólo se puede ver una selección en este debut del proyecto en Estados Unidos, mientras que el sábado se inaugurará una presentación más amplia en el Musée d'Art Moderne de París. El fotolibro adjunto publicado por Hatje Cantz puede ser la mejor manera de asimilar el proyecto en su totalidad, pero esta amplia introducción le hará reflexionar sobre la lánguida belleza de los ríos y la rígida fuerza de las fronteras. JUAN VINCLER

CENTRO DE LA CIUDAD

Hasta el 29 de octubre. EFA Project Space, 323 West 39th Street, segundo piso, Manhattan; 212-563-5855, projectspace-efanyc.org.

Los juegos de esta exposición colectiva no son exactamente típicos. Por un lado, el objetivo de la mayoría no es ganar. En “Let's Play: Ancient Greek Punishment” (2011) de Pippin Barr, no puedes, no importa cuánto lo intentes; en cambio, estás condenado a repetir los castigos de personajes míticos en una estética cómicamente de baja fidelidad. Incluso cuando hay un objetivo definido, no es necesariamente lógico: en “Fuzz Dungeon” (2021) de Jeremy Couillard, eres una criatura que viaja a través de espacios alucinantes en busca de un “amuleto sexual sasquatch”, sea lo que sea.

Comisariada por el artista Nicholas O'Brien, “Intentos voluntarios para superar obstáculos necesarios” reúne juegos alternativos y experimentales cuyo impulso es lo que puedes descubrir mientras los juegas (lo que puedes hacer en la galería). “Mother, Player: Chapter 1 (Demo)” (2022) de Angela Washko te presenta como un personaje embarazada que toma decisiones durante una pandemia. En “The Tearoom” (2017), de Robert Yang, intentas ligar con hombres en un baño de Ohio de los años 60 sin que te atrape la policía. La entrada más antigua del programa, “Escape From Woomera”, te muestra como un solicitante de asilo iraní que intenta escapar de un centro de detención australiano.

Una modificación de un juego de disparos en primera persona, “Escape From Woomera” parece torpe en comparación con trabajos recientes con diseños más ingeniosos. Pero fue claramente una piedra de toque para los juegos destinados a hacer que los jugadores pensaran críticamente sobre el mundo, una idea que se manifiesta incluso en las contribuciones más abstractas del programa. Si empiezas a jugar pero no sabes exactamente qué se supone que debes hacer, tal vez eso sea parte del objetivo. JILLIAN STEINHAUER

CHELSEA

Hasta el 29 de octubre. Lehmann Maupin, 501 West 24th Street, Manhattan; 212-255-2923, lehmannmaupin.com.

“Monumento invertido”, la obra destacada en el centro de la última exposición de Do Ho Suh, deshace el tradicional tropo escultórico de colocar a un gran hombre sobre un pedestal de mármol. En un acto poético de reducción y destrucción, el artista nacido en Corea del Sur y radicado en Londres reemplaza el bronce y el mármol con poliéster termoplástico de color rojo sangre para crear una estructura similar a una red, paradójicamente caótica y legible, delicada y resistente. En lugar de elevarse de la plataforma en la que se encuentra, la figura cuelga de sus pies invertida dentro de ella. La forma que tradicionalmente eleva y honra ahora encarcela, invocando de diversas formas la representación de Dante de Lucifer congelado en el hielo, con la cabeza hacia abajo y las piernas levantadas, en “Inferno”, o escenas más contemporáneas de monumentos de traficantes de esclavos derribados al mar.

Las otras obras del programa parecen complementos innecesarios. Una animación en vídeo y trabajos sobre papel parecen bocetos exploratorios sobre el tema de las figuras al revés. (A veces es mejor no mostrar su trabajo). En la trastienda, una disposición horizontal de fotografías orientadas al paisaje, en su mayoría del cielo, están bordeadas en la parte inferior con tejados de edificios que sugieren varios lugares. Frente a esto, “Jet Lag” (2022) consiste en una pared de detalles arquitectónicos multicolores representados en poliéster diáfano: interruptores de luz, alarmas contra incendios, detectores de humo, un teléfono y una variedad de enchufes que apuntan a muchas geografías. Estos elementos recopilados hacen un guiño a la práctica característica de Suh de recrear viviendas en tela translúcida. Bien, pero hay una razón antimonumental por la que este espectáculo es una visita obligada. JUAN VINCLER

SoHo

Hasta el 29 de octubre. Postmasters, 484 Broome Street, Manhattan; www.postmastersart.com.

Albert-Laszlo Barabasi, un científico convertido en artista, promueve un movimiento que llama dataísmo, que documenta “procesos, conexiones, asociaciones, afiliaciones, correlaciones, causas y consecuencias sociales invisibles pero objetivos, aspectos de la realidad que simplemente no son accesibles al arte retiniano. "

Con ese fin, en esta muestra llamada “BarabasiLab: Big Data (Networking the Artworld)”, una pared de Postmasters presenta lo que parece un conjunto de abstracciones de la Bauhaus, pero cuyos rectángulos anidados en realidad representan gastos filantrópicos de fundaciones en los Estados Unidos, desde 2010 a 2019. (Los museos de arte obtienen el 0,5 por ciento de ese gasto, por lo que el rectángulo que los representa ocupa el 0,5 por ciento de la superficie total de las abstracciones de la suite).

Un solo lienzo en otra pared, con una abstracción ondulada en verde, amarillo, azul y rojo, casi podría ser una respuesta a la música inspirada en Kandinsky; de hecho, captura las conexiones entre los pocos grandes artistas, marchantes y museos que dominan el mundo del arte.

Pero esto es lo extraño del arte cargado de información de Barabasi: para extraer la información de su trabajo (principalmente pinturas y grabados, pero esta muestra incluye un video y una escultura) no se puede simplemente mirar; necesitas leer una página web con la historia de fondo. Eso me hace pensar que el trabajo de Barabasi trata más de capturar la sensación vital de los datos en nuestras vidas que de brindarnos hechos específicos.

O tal vez se trate de una antigua función del arte que hemos llegado a descuidar: simplemente señalar cosas importantes en el mundo: un mamut al que matar; un dios al que adorar, sin tener en cuenta la belleza, el estilo ni nada "retiniano". Todo el trabajo actual en Postmasters podría verse bastante diferente y aun así capturar la misma información. ¿Está diciendo que en el fondo todo arte quiere funcionar de esa manera? BLAKE GOPNIK

TriBeCa

Hasta el 29 de octubre. Jeffrey Deitch Gallery, 18 Wooster Street, 212-343-7300, deitch.com.

Para “Truck Stop”, su exposición individual en Jeffrey Deitch en Tribeca, el artista Mario Ayala está vendiendo Los Ángeles. Sus grandes lienzos representan a los familiares vehiculares de esas calles bañadas por el sol: un camión de mariscos arruinado en Baja California y su relajante mascota camarón; un vehículo recreativo con polvo de frenos que parece la residencia principal de alguien; una hermosa camioneta Ford con un diseño psicodélico con aerógrafo en el portón trasero: rayos, policías persiguiendo y extraterrestres secuestrando. Las pinturas de Ayala están repletas de detalles parpadeantes: el camarón ahuma en un tazón, el logotipo de Sunchaser RV, perfectamente desgastado, incorpora un Kokopelli lascivamente acanalado. Un cartel real al estilo de los de Work Boot Warehouse, que se cierne sobre un tráiler de oficina preparado para proyectar un vídeo con temas de guerreros de la carretera radiactivos, reemplaza a la saludable chica pinup del anuncio con la cabeza del artista sobre el cuerpo de David Bowie de “Diamond Funda para perros. Es Los Ángeles como expansión semiótica. Y Ayala, un virtuoso de esta forma vernácula, retoca todo.

Luego, está el autobús: un lienzo con forma casi de tamaño natural de la culata de un vagón de Metro. Su número, 90031, es el código postal del vecindario de Lincoln Heights, predominantemente hispano, en el lado este; el abogado zalamero que muestra sus blancos nacarados en medio del anuncio de ACCIDENTES (un abogado especializado en lesiones tan omnipresente en Southland que la gente se disfraza de él para Halloween) es sin lugar a dudas Deitch. La etiqueta dice: WWJDD22. ¿Qué haría Jeffrey Deitch? Él te conseguiría el dinero que te mereces. TRAVIS DIEHL

BARRIO CHINO

Hasta el 22 de octubre. Martos Gallery, 41 Elizabeth Street, Manhattan; (212) 560-0670, martosgallery.com.

Jennie Jieun Lee podría describirse como una artista de cerámica, pero llega mucho más allá en “Marie” en la Galería Martos. Los recipientes de porcelana de colores llamativos están llenos de flores que la propia Lee cultivó: zinnias, dragones, amaranto y dalias. Estos van acompañados de cabezas humanas de cerámica con esmaltes locos y desbocados, losas de arcilla con forma de pequeñas prendas y pegotes de porcelana moldeada encolados en una evocadora “guirnalda”. En el centro del espectáculo hay una recreación de la tumba de Marie Laveau (1801-1881), una practicante de vudú criolla del siglo XIX que también fue estilista de los ricos de Nueva Orleans y que incluso intervino en nombre de la muerte. -fila de prisioneros.

Hay una cualidad salvaje en el trabajo de Lee que encaja con su tema y enfoque: jarrones descentrados cubiertos con marcas crípticas; Cabezas de cerámica que parecen estar llorando o derritiéndose. Después de la muerte de Laveau, su tumba se convirtió en un santuario para los suplicantes que pedían deseos desesperados marcados con tres X. Los visitantes de la exposición de Lee están invitados a pedir sus propios deseos y muchos lo han hecho, colocando monedas y baratijas en la base de “Marie's Tomb” (2022).

La muestra podría llamarse una “instalación escultórica interactiva”, pero Lee obviamente dispara mucho más alto y pregunta: ¿Cómo se media entre mundos diferentes? ¿Puede el arte todavía alcanzar este nivel de compromiso chamánico? Utilizando historia, arcilla maleable y una simple invitación a conectarse, Lee transforma la estéril sala de exposición de la galería en un espacio más significativo, a veces incluso espiritual. MARTHA SCHWENDENER

tribuca

Hasta el 22 de octubre. Algún día, 120 Walker Street, Manhattan, somedaygallery.com.

¿Sabías que Cristóbal Colón era un vampiro? Es cierto, al menos según el alegóricamente confuso “Nosferasta: First Bite”, un video falso documental de Adam Khalil, Bayley Sweitzer y Oba, un artista y músico de Trinidad. Oba también se interpreta a sí mismo como el personaje principal: un Nightwalker rastafari, creado por el italiano sediento de sangre allá por 1492 como entrada a la sociedad indígena, navegando por cuestiones de tarjetas verdes en el Brooklyn actual. El video oscila entre la recreación histórica y la locura moderna, mezclando la sátira poscolonial con cuadros extravagantes como un par de muertos vivientes "bañándose en la luna" en una playa en el siglo XV o Oba estudiando para el examen de ciudadanía estadounidense en el siglo XXI. Una siniestra toma de ojo de pez de Columbus Circle y su pilar triunfal resalta el hecho de que, aunque Colón está muerto (el protagonista con rastas afirma que mató a su maestro después de probar la marihuana por primera vez), su nombre sigue vivo.

En la galería, las brillantes esculturas de Oba cosifican las tradiciones espirituales en forma de santuarios y estatuillas fluorescentes con incrustaciones de bisutería, teléfonos móviles y símbolos panafricanos. Las enseñanzas de Ras Tafari (respeto por la vida humana y resistencia a Babilonia) sirven como resumen de la esperanza poscolonial, sustentada en el tiempo por el racismo. Bromas aparte, la metáfora vampírica de “Nosferasta” reemplaza la imagen heroica de Colón por la de una sanguijuela lasciva que se alimenta de la sangre de otros, contagiándolos con su codicia. Esto es diferente a derribar estatuas. En cambio, los disuelve en el ácido pirata del mito. Justo a tiempo para el Día Anteriormente Conocido como Colón. TRAVIS DIEHL

Chelsea

Hasta el 22 de octubre. David Zwirner Gallery, 537 West 20th Street, Manhattan; 212-517-8677, davidzwirner.com.

Cuando se inauguró una retrospectiva de fotografías de Diane Arbus en el Museo de Arte Moderno en 1972, un año después de su suicidio, causó sensación, inspirando comentarios apasionados, tanto a favor como en contra, y tanto interés que se formaron líneas alrededor de la cuadra. Cincuenta años después, la muestra ha sido recreada como “Cataclysm: The 1972 Diane Arbus Retrospective Revisited”, con las 113 copias (más dos que fueron retiradas de la exposición del MoMA después de vehementes protestas de los sujetos). Esto es mucho más que en la monografía de Aperture, un éxito de ventas que acompañó el espectáculo, y algunos resultarán desconocidos incluso para los devotos de Arbus.

Junto con la exposición, la Galería David Zwirner y la Galería Fraenkel han publicado conjuntamente “Diane Arbus: Documentos”, un compendio profusamente elaborado de las críticas de Arbus durante el último medio siglo. (El libro reimprime tres artículos de este crítico entre varios del New York Times.) Incluye una notoria reseña de Susan Sontag denunciando lo que ella describió como el “mensaje antihumanista” y el “pesimismo a precios reducidos” de Arbus, un ensayo que originalmente llevó a Doon Arbus, la hija mayor del artista, a ejercer un control estricto y negarle permiso para publicar fotografías de Arbus sin que ella examinara personalmente las palabras que las acompañan.

¿Implica el cambio que el trabajo, que sobrevive a la prueba del tiempo, ya no requiere ese seguimiento? En realidad, nunca fue así. Una característica extraordinaria de las fotografías de Arbus es que las mejores (y hay muchísimas) todavía provocan desconcertado asombro. El alboroto inicial se ha calmado, pero el arte sigue siendo controvertido y sensacionalista. ARTURO LUBOW

Chelsea

Hasta el 22 de octubre. Matthew Marks, 522 West 22nd Street, Manhattan. 212-243-0200; matthewmarks.com.

Elaine Sturtevant (1924-2014), que trabajó bajo el monónimo Sturtevant, hizo copias del trabajo de otros artistas, pero insistió en que ella no era una artista de apropiación, y tenía razón. En esta mini-retrospectiva alucinante, que incluye una pintura numérica gris de “Jasper Johns”, un pequeño “Keith Haring” y dos lavabos “Robert Gober” enterrados en AstroTurf con poca luz, la autoría es la menor de las preocupaciones. Surge, pero sólo como un subconjunto de la pregunta más amplia: "¿Qué es una idea?".

Los "Johns" y "Haring", aunque ambos perfectamente reconocibles, no son exactos. No es exactamente la línea de Haring, y la superficie de la pintura numérica no está tan trabajada como la habría tenido Johns. Es decir, creo que cada pieza me hizo cuestionar mi propia memoria de lo que era un “Johns” o un “Haring” en primer lugar y qué criterios utilicé para reconocerlos. (Johns, Haring y Gober se mencionan en los títulos de las piezas, pero eso sólo lo hace aún más alucinante).

Un vídeo de 2010, también de Sturtevant, recopila fragmentos de dos archivos en línea, BBC Motion Gallery e iStock, para mostrar un tigre corriendo, un velocista humano, una flor que se abre y otros ejemplos de vida en movimiento con el acompañamiento de un ritmo pulsante de computadora. . Cuando el tigre miró a la cámara, con su cuerpo ondulante y su rostro inmóvil, olvidé por un momento cuál era la obra de arte y quién era yo. HEINRICH

Lado este superior

Hasta el 22 de octubre. Gagosian, 821 Park Avenue, Manhattan; 212-796-1228, gagosian.com.

“¿Por qué el dinero importa tanto en lo que hacemos, en lo que somos, en lo que nos convertimos?” Michel Piccoli se lamenta en el último carrete de “El desprecio”, la película más comercial de la era de la Nueva Ola de Jean-Luc Godard. Habla frente a un enorme ventanal que mira desde Capri: una ventana de la Casa Malaparte, una caja roja descolorida que se eleva desde un acantilado de piedra caliza hacia el mar Tirreno, diseñada y habitada por el novelista italiano Curzio Malaparte. Tanto el autor como el director de cine imbuyeron a esta dramática casa de los años 40 de un raro atractivo sexual intelectual; ahora, por el precio justo, puedes conseguir el estilo Casa Malaparte como en casa.

Los tres muebles que se ofrecen en Gagosian se componen cada uno de ellos de una larga losa de nogal sostenida por dos gruesas patas cilíndricas de diferentes alturas y materiales: mármol de Carrara bajo y estriado para el banco; pino de media altura para la mesa del comedor; y roca volcánica alta para la consola. Son ediciones completamente nuevas de los muebles de la casa, autorizadas por un descendiente de Malaparte; aparecen ante fotografías gigantescas a escala real de las ventanas de Casa Malaparte, tan estupendas que los posibles compradores podrían considerar sus propias vistas de Bridgehampton bastante pequeñas en comparación. ¿Puedes replicar la proximidad al genio literario? ¿Puede una tabla sugerir la presencia de Brigitte Bardot? Al igual que la adaptación cinematográfica de "La Odisea" que el personaje de Piccoli está tratando de escribir en "El desprecio", los accesorios aquí presentan un clasicismo bastante a medias, pero para probar un poco de Capri algunos de nosotros sacrificaremos mucho. JASON FARAGO

Brooklyn

Hasta el 23 de octubre. Jardín Botánico de Brooklyn, 990 Washington Avenue, Brooklyn; 718-623-7260; bbg.org.

Nunca necesitarás razones adicionales para visitar el Jardín Botánico de Brooklyn. Pero “For the Birds” ha instalado muchas excusas nuevas para hacer el viaje, en forma de más de 30 nuevas y extravagantes casas para pájaros repartidas por todo el recinto. (El proyecto también incluye un álbum de música inspirada en el canto de los pájaros, entre otras cosas).

Encargadas tanto de artistas como de arquitectos, las pajareras cubren una amplia gama de posibilidades visuales. Son tan pequeños (y aparentemente inaccesibles para cualquier cosa más grande que un colibrí bebé) como el “Hábitat” de corteza de abedul de Mary Frank en el Jardín de Shakespeare, o tan altos y extravagantemente acogedores como la pila de 14 pies de objetos encontrados y concreto de Julie Peppito. "Aves Unidas de América (E Pluribus Unum)". Son tan desvencijadas y encantadoras como una isla de jarras de aceite mineral recicladas, diseñadas especialmente para garzas azules, que Chen Chen y Kai Williams instalaron en el estanque del Jardín Japonés, o tan elegantes y siniestras como la torre de madera para los cuervos que acechan en el borde. del Campo Aster. (Erigido por un colectivo llamado Bureau Spectacular, en colaboración con el arquitecto Kyle May, se llama “Un rebaño sin asesinato”).

No todas las casitas para pájaros del jardín son igualmente atractivas, ni siquiera están bien construidas. Pero en cierto modo no importa, ya que el aspecto de búsqueda del tesoro del programa es muy encantador. Y de todos modos, la verdadera audiencia del proyecto -incluso su verdadero arte- se encuentra en la bandada mixta de transeúntes alados que ha estado atrayendo. HEINRICH

Zona residencial

Hasta el 2 de octubre. Wallach Art Gallery, Lenfest Center for the Arts, Universidad de Columbia, 615 West 129th Street, Manhattan; 1-212-853-1623; wallach.columbia.edu.

“Dead Lecturer/‌Distant ‌‌Relative: Notes from the Woodshed, 1950-1980” es, entre otras cosas, una muestra sobre raza y abstracción, con obras de más de 50 artistas y poetas asiático-americanos y afroamericanos. El título es una mezcla de referencias a textos del poeta Amiri Baraka y los artistas Theresa Hak Kyung Cha y Jack Whitten. Pero el arte es una variedad profundamente placentera de piezas familiares y sorprendentes, desde las cerebrales pinturas de texto de Arakawa hasta el dramático gres de Win Ng.

Todos los artistas de la muestra, ya sean famosos o pasados ​​por alto, tuvieron que lidiar con un mundo del arte que quería, y en su mayoría todavía quiere, que artistas de color hicieran trabajos centrados en la identidad. Tener esto en cuenta al contemplar los atractivos bronces de John Pai o los frescos acrílicos casi monocromáticos de Leo Valledor le da a su abstracción un tipo especial de crujido. Se puede interpretar desafío en su negativa a ser más transparentemente político, o se puede reflexionar sobre la carga que supone que todo lo que se hace se lea a través de una lente racial y política.

Al final, sin embargo, la abstracción no es en realidad menos política que cualquier otra cosa, un hecho destacado por el vídeo de Howardena Pindell de 1980 “Free, White and 21”. "Sabes", se dice Pindell, con la cara pálida, "escucho tus experiencias y pienso, bueno... tiene que estar en tu arte de una manera que consideremos válida". Al lado del video hay una deliciosa pintura de color amarillo mantequilla de Beauford Delaney. El único otro color es su firma en rojo brillante de emergencia. HEINRICH

Brooklyn

Hasta el 8 de octubre. 15 Orient Gallery, 12 Jefferson Street, Brooklyn. 303-803-4347, 15orient.com.

La bella elegancia de los collages de Thomas Eggerer puede engañar al principio. Los colores atrevidos y las formas agradables en este medio podrían fácilmente parecer una repetición centenaria de Kurt Schwitters o el constructivismo, pero las obras de “Selected Collages (2002 a 2022)” se centran en los últimos días del último milenio, particularmente en la década de 1980. . Nacido y educado en Alemania, el artista radicado en Brooklyn, conocido principalmente por sus pinturas, rompe clichés americanos y deja escapar los fantasmas.

“Floorgames” (2018) muestra las piernas extendidas de jugadores de fútbol con tacos y pantalones acolchados. En “Turn Around” (2008), tres rectángulos recortados muestran cada uno los torsos en minifalda negra de las porristas. “Chain” (2021) crea una red de imágenes en escala de grises, que incluyen fotografías de collares de plata, junto con anuncios de United Colors of Benetton que muestran modelos y banderas yuxtapuestas con instantáneas de manifestaciones y protestas callejeras. Encerrada en una vitrina de mesa, la obra incluye una constelación de tapas de café en blanco y negro para darle un toque dimensional. Una de las tres imágenes de jóvenes en forma y sin camisa en “Untitled” (2009) presenta una bandera confederada de fondo.

La exposición, una radiografía de una época de la historia estadounidense, desbloqueó de la memoria una de las respuestas de las audiencias de confirmación del juez Brett M. Kavanaugh sobre sus días de escuela secundaria: hacer ejercicio, levantar pesas, jugar baloncesto, tomar cervezas con amigos y hablar. sobre fútbol y chicas. Un recordatorio de que muchos de los que ahora están en el poder son producto de esa misma década de 1980. JUAN VINCLER

TriBeCa

Hasta el 15 de octubre. Mother Gallery, 368 Broadway, Manhattan; 845-236-6039, mothergallery.art.

No hay muchas exposiciones en galerías que parezcan tan perfectas como ésta. Titulado “Cámaras salvajes”, presenta cinco relieves cerámicos de Julia Kunin, que se especializa en formas ligeramente enloquecidas, a veces barrocas, animadas por el brillo y los colores abigarrados de los vidriados brillantes, en conversación con cinco pinturas en relieve de Yevgeniya Baras, quien construye líneas y formas en talismanes visionarios algo elevados. La pareja encaja exquisitamente en el modesto puesto avanzado de TriBeCa de una sola habitación de Mother Gallery, cuya sede se encuentra en Beacon, Nueva York.

Ambos artistas, que viven en Nueva York, utilizan una tensión irresoluble entre lo abstracto y lo representacional como principal fuente de poder en su trabajo. Las superficies compartimentadas de Kunin dejan entrever ojos, bocas y senos extruidos, mientras que los estallidos de dibujos incisos añaden un segundo nivel de conciencia. Su efecto es a la vez hilarante y primitivo y evoca la “Mujer que llora” de Picasso, sin lágrimas, así como las composiciones divididas de Adolph Gottlieb a las que se les da una vibra matriarcal. Estas piezas, que datan de 2015-16, se encuentran entre las mejores de Kunin.

Baras utiliza pintura espesa, pequeños trozos de madera y collage de lienzos para dar vida propia a las superficies, formas y pinceladas, al tiempo que recuerda las pinturas de Paul Klee, Forrest Bess y Elizabeth Murray. El cuadro más grande de Baras (sin título, como el resto) podría ser un niño envuelto en pañales o un volcán en erupción. Pero lo que más importa es la energía entrecortada de sus barras y líneas verdes o negras contra los campos más pálidos y agitados de lavandas, azules y tostados. Al igual que Kunin, Baras imbuye los aspectos físicos y formales de su arte con un magnetismo emocional inusual. ROBERTA SMITH

La parte baja al este

Hasta el 15 de octubre, François Ghebaly, 391 Grand Street, Manhattan; 646-559-9400, ghebaly.com.

El espectáculo “Cuvier” de Rindon Johnson en François Ghebaly prueba los límites de las conversaciones triviales entre especies. Las obras intensamente formales en vidrieras, cuero de vaca y software ofrecen varios tipos de conocimiento (visual y auditivo, háptico e intuitivo) que chocan con una incognoscibilidad fundamental. Un alto panel vertical de cuero blanqueado y estirado, por ejemplo, sigue el trabajo anterior de Johnson en pieles tratadas con productos químicos y azotadas por los elementos. En la nueva obra, las partes aligeradas evocan crestas y valles que llegan al mar. O tal vez veo una costa porque sé sobre las ballenas.

Específicamente, el espectáculo de Johnson rinde homenaje a los zifios de Cuvier. Y para saber esto, necesitas leer algo (una búsqueda en Google del título del programa, un comunicado de prensa, una reseña) antes de ir. Así: Georges Cuvier, naturalista francés, estableció la extinción de las especies. Se pensaba que los zifios que llevaban su nombre habían desaparecido hasta que aparecieron especímenes vivos en la costa; hoy en día son famosos por sus varamientos masivos. Poco en el espectáculo en sí podría decirte que los luminosos paneles de color azul ahumado en una vidriera representan una trinchera en aguas profundas donde las pruebas militares provocaron uno de los varamientos de Cuvier más grandes hasta la fecha. Un videojuego, desarrollado con Jacqueline Kiyomi Gork, supuestamente permite a dos jugadores conspirar para cazar calamares desde la perspectiva de las ballenas. Desde la mía, me recosté en una silla de juego presionando botones y moviendo joysticks mientras dos pantallas borrosas de color grisalla emitían pitidos y se movían enigmáticamente. Es como explicarles el agua a las ballenas. TRAVIS DIEHL

La parte baja al este

Hasta el 15 de octubre. Maxwell Graham/Essex Street, 55 Hester Street; 917-675-6681, essexstreet.biz.

El arte contemporáneo tiende a no discutir las dificultades de la crianza de los hijos. Los pocos artistas que se atreven a enturbiar las aguas (para mirar más allá de las ideas de felicidad de los padres preparadas por Hallmark) a menudo se centran en el caos y la sangre corporal de la maternidad. (Me vienen a la mente los pañales sucios que Mary Kelly incluyó en su obra de arte feminista o, más recientemente, las espeluznantes fotografías de Heji Shin de bebés naciendo).

En “Balances”, un espectáculo provocativamente provocativo y cargado de conceptos de la artista en mitad de su carrera Ghislaine Leung, la paternidad se trata como algo que exige una precisión similar a la de un diamante. Visualmente sobrio, el espectáculo se compone principalmente de objetos encontrados: un vigilabebés, barreras de seguridad para niños y una relajante fuente de agua. El programa también presenta un giro intencionalmente exasperante. Los objetos de Leung se exhiben sólo de 9 am a 4 pm los jueves y viernes, los mismos períodos de tiempo durante los cuales la artista puede trabajar en su estudio, sin las exigencias del cuidado de los niños. Más allá de este horario, los visitantes encontrarán la galería abierta, pero vacía.

En una pared, “Horas”, un calendario abstracto en blanco y negro que marca el tiempo que el artista pasa en el estudio, resalta los paralelismos entre los ritmos implacables de la paternidad y la austeridad inquebrantable del minimalismo. “Saldos” sin duda se dirigirá a los cuidadores que hacen malabarismos con muchos roles. Pero las frustraciones latentes de Leung también resonarán en cualquiera que se sienta derrotado por los estándares laborales que se mantuvieron vigentes, incluso cuando la pandemia los hizo insostenibles. Este programa desafía las expectativas de que, como buenos miembros de la fuerza laboral, debemos mantener ocultas las tensiones y los factores estresantes de la vida, incluso cuando nos dejan en un aprieto imposible. AMANECER chan

La parte baja al este

Hasta el 16 de octubre. Reena Spaulings, 165 East Broadway; 212-477-5006, reenaspaulings.com.

Históricamente, la pintura europea estuvo cargada de grandes tareas: mostrar a Dios creando a la humanidad; representan una visión religiosa, un martirio o una revolución política. Los artistas modernos se libraron en gran medida de la llamada “carga de la representación” al abrazar la abstracción, pero la publicidad todavía carga con esta responsabilidad, como muestra la artista Jutta Koether en su exposición “Todo lo que cambiará” en Reena Spaulings.

A partir de anuncios del Financial Times, las pinturas aquí extraen los mensajes rimbombantes y pseudosublimes dirigidos a los consumidores adinerados de yates, jets privados o el nuevo tren ICE de alta velocidad de Europa. Incluyen textos extraídos de estos anuncios, como “El Mundo” (2022), que proclama: “Cuando te preguntan de dónde eres. El mundo." Otras obras incluyen tópicos como "Sueña hasta que sea tu realidad". Sin embargo, en contraste con los brillantes anuncios impresos, Koether pinta con una nerviosa paleta de color rosa y rojo y un lenguaje post-punk garabateado que mezcla la figuración florida de Florine Stettheimer con las musculosas marcas modernas de Cy Twombly.

También hay una cualidad burlona en el programa: una versión modificada de lo que solía llamarse “crítica”. Después de todo, las clases altas están ganando en la mayor parte del mundo (de ahí el reciente y pronunciado aumento de los movimientos sindicales) y la pintura suele terminar en sus manos. La primera pintura de una serie de lienzos diminutos tiene la frase “100% Malerei” (que se traduce, del alemán, como 100% pintura), como si dijera: Sí, querido espectador, es posible que tengas un yate o un jet privado. , pero sigo controlando los medios de producción de la pintura, el producto de lujo por excelencia. MARTHA SCHWENDENER

Holland Cotter, Jason Farago y Roberta Smith son críticos del personal.

Dawn Chan, Aruna D'Souza, Travis Diehl, Yinka Elujoba, Blake Gopnik, Will Heinrich, Arthur Lubow, Max Lakin, Siddhartha Mitter, Martha Schwendener, Jillian Steinhauer y John Vincler contribuyen con sus críticas.

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