Metal Underground: 10 bandas que mantienen viva la escena

Jun 27, 2023

Las bandas que prosperan en el metal underground y traspasan los límites de la música heavy.

Si bien todos amamos a las Metallicas y las Iron Maidens de esto maravilloso que llamamos heavy metal, no podemos olvidar la importancia del metal underground. Claro, los escenarios del mundo siempre estarán llenos de la última banda de metal que hace una pausa para llegar a lo grande, pero es en los bares de mala muerte y en las salas oscuras donde la música heavy en todas sus formas existe a nivel de base.

De ninguna manera convencional y con un deseo absoluto de serlo, aquí vemos a las bandas que mantienen viva la escena del metal underground y rebosante de la creatividad con la que otros géneros solo pueden soñar.

Es raro que una banda ofrezca exactamente lo que esperas y, al hacerlo, aún así te sorprenda. La mayoría de las veces, es el sonido de lo exótico y desconocido lo que atrapa tus sentidos desprevenidos, deteniendo la mente y encendiendo la imaginación. Formada por ex miembros de Agalloch y Giant Squid, Khôrada se ha liberado de cualquier expectativa, evocando algo excepcionalmente pesado, crudo y profundamente emocional.

En 2016, el fundador de Agalloch, John Haughm, disolvió la banda y finalmente formó Pillorian. Para los tres miembros restantes (el guitarrista Don Anderson, el bajista Jason Walton y el baterista Aesop Dekker), separarse no era una opción. Jason explica: “Don, Esopo y yo no vimos ninguna razón para dejar de tocar juntos después de la ruptura de Agalloch. Éramos amigos cercanos, habíamos tocado juntos durante años y trabajábamos muy bien juntos. Creo que todos hemos dejado dolorosamente claro que la disolución de Agalloch no era nuestro deseo, así que decidimos el mismo día que la banda se separó que formaríamos algo fresco y nuevo”.

Continuar donde lo dejó Agalloch habría sido el camino fácil, pero los muchachos se unieron en una resolución para evitar algo tan obvio, sin importar cómo pudiera sonar entre los fanáticos. “Habría sido muy fácil para nosotros tres conseguir a otro tipo que tocara la guitarra y gruñera”, dice Jason, “y hacer otro disco de metal extremo. Podríamos haber intentado deslizarnos sin esfuerzo en ese vacío que creó la muerte de Agalloch. Quiero decir, ya teníamos una base de fans incorporada, ¿por qué no continuaríamos por el mismo camino que Agalloch abrió durante 20 años pero con alguien nuevo? La respuesta es porque eso es pereza y, en última instancia, eso no es arte”.

Recurrieron a su amigo y ex compañero de agencia Aaron John 'AJ' Gregory como su nuevo líder. "Todos teníamos mucho respeto y admiración por AJ y nos parecía una elección lógica", dice Jason. “AJ es un gran guitarrista, un letrista increíble y un compositor maravilloso. Lo más importante es que es un hombre al que respeto y admiro. Por eso AJ fue el hombre perfecto para acompañarnos en este viaje”.

A menudo, cuando los miembros de bandas establecidas forman un nuevo grupo, la música cae en algún espacio arbitrario entre las dos bandas, pero Khôrada no suena ni como Agalloch ni como la banda de AJ, Giant Squid. De hecho, su álbum debut, Salt, representa una migración de género total. Olas retumbantes de fatalidad empujan y tiran, convirtiéndose en crecientes crescendos que rompen con las voces de AJ y sus letras desgarradoras. Es seguro decir que los restos vestigiales dominantes de Agalloch no se encuentran en la música sino en el espíritu salvaje y visionario que impregna cada una de las siete pistas. “No hicimos lo que la gente quería que hiciéramos. No volvimos a escribir The Mantle. Hicimos música para nosotros mismos”.

Con una perspectiva nueva y estimulante y un álbum debut que encontró mucho amor entre los fanáticos y críticos, se podría perdonar a Khôrada por especular sobre lo que les deparará el futuro, pero los muchachos están viviendo plenamente el momento. “Podría especular”, dice Jason, “pero no me importa. En este punto estoy feliz de haber terminado nuestro debut y simplemente lo estoy disfrutando”. (JD)

“Empecé a escuchar death metal a una edad bastante temprana. Siempre estuve interesado en cuán amplio puede ser el género”, comienza el vocalista de Carnation (en la foto), Simon Duson. “El death metal puede ser rápido, lento, melódico, técnico, agresivo… hay tantas opciones disponibles. También intentamos experimentar con estos diferentes ingredientes y no ceñirnos a la misma fórmula en cada canción. Cambiar las velocidades mantiene el álbum interesante y diverso”.

Esta reverencia por el género brilla en el extenso debut de los belgas, Chapel Of Abhorrence, una estimulante explosión de inmundicia que se siente notablemente más poderosa que su EP de 2015, Cemetery Of The Insane.

“Debido a que este es nuestro álbum debut, sentimos que era realmente importante tomarnos nuestro tiempo en el proceso de composición y grabación y no presionarnos con plazos innecesarios”, dice Simon. “La mayor diferencia entre el EP y el álbum es la inversión de tiempo. Cuando estábamos trabajando en el EP, queríamos lanzar algo lo más rápido posible para salir y hacer despegar a Carnation. Para Chapel Of Abhorrence, era más importante buscar la toma perfecta, incluso si nos llevó mucho más tiempo grabarla”.

Dada la atención que recibió el EP (la banda realizó una gira por Japón y Brasil con Pestilence detrás), Carnation está preparado para alcanzar alturas aún mayores una vez que Chapel... llegue a los estantes, y Simon no puede esperar.

“Nuestros shows en vivo son sin duda nuestra característica más fuerte”, afirma radiante. “Invertimos mucho tiempo y recursos en nuestra configuración en vivo para seguir cambiándola y mejorándola. No sólo el sonido tiene que ser excelente, sino que visualmente también debe encajar con la música. Es difícil lograr esto como una banda relativamente pequeña, pero también es mucho más gratificante cuando logramos lograrlo. Crear la atmósfera adecuada con luces y otros efectos visuales simplemente lleva la música a otro nivel... ¡Te invitamos a venir y experimentarlo tú mismo! (kilovatios)

A medida que el death metal se fragmenta en hebras cada vez más dispares, el estimulante aprovechamiento de Tomb Mold de una densa tormenta de la vieja escuela los distingue como uno de los puristas más fervientes de la era moderna. Y, sin embargo, como explica el guitarrista Derrick Vella, las canciones del segundo álbum de los canadienses, Manor Of Infinite Forms, son principalmente el resultado del instinto.

“Para mí, personalmente, el death metal tiene que ser imaginativo y tener espíritu”, dice el guitarrista Derrick Vella. “No soy demasiado exigente con las cosas que suenan 'de la vieja escuela' o sucias, por mucho que me gusten esas cosas. Sólo quiero ver una visión clara, una estética interesante y buenos riffs. Intento no pensar demasiado en lo que escribo… simplemente dejo que suceda”.

Formado por Derrick y el baterista y vocalista Max Klebanoff en 2015, Tomb Mold comenzó como un intento consciente de imitar la escabrosa brutalidad de la muerte finlandesa temprana, con un acompañamiento de adoración al USDM de mediados de los 90 en buena medida. Sin embargo, a pesar de esas influencias obvias, Manor Of Infinite Forms tiene una sensación deliciosamente idiosincrásica, las preocupaciones líricas de la banda, su habilidad para el surrealismo retorcido y esos riffs grotescos y agitados que los distinguen considerablemente de las hordas ceñudas.

"En la superficie, este registro trata de encontrar un pasaje a una antigua civilización subterránea que vive dentro del planeta", explica Derrick. “Pero los temas detrás del disco incluyen la pérdida, la ascensión, el desgarro desde dentro, la hipnosis de vidas pasadas y las alucinaciones. El título se refiere a la mente de uno y cómo se puede cambiar o manipular”.

Hablando de cambio, las ambiciones originales de Tomb Mold eran entrañablemente humildes y discretas, pero la banda se está acostumbrando rápidamente a la idea de que los fanáticos del death metal pueden detectar el trato real y oscuro cuando lo escuchan. "La idea original era grabar un par de cintas de demostración, venderlas en línea y luego empaquetarlas". Notas de la torre de perforación. “Pero ahora haremos más giras, grabaremos otro disco y, con suerte, cruzaremos el agua para tocar en el Reino Unido, Europa y otros lugares también. ¡Esto definitivamente ha superado las expectativas!” (DL)

“Estuvimos con 'Bad Kush' por un tiempo, particularmente porque el chico del estudio de ensayo siempre nos la citaba como 'Bad Piss'. Pero queríamos algo más sano, así que añadimos algunas palabras más largas para que sonaran más impresionantes y mesurados”.

Tal es la explicación inexpresiva del baterista Mark Buckwell para ese nombre hilarantemente extraño, señalando niveles de absurdo al estilo Python aplicados a la estridente mezcla del trío de rawk fumeta de los buenos tiempos y aggro-sludge de los malos tiempos. Esta ostentosa excentricidad se ve confirmada aún más por la portada de su LP debut (y su apetitoso título, Come & Chutney), que muestra a los compañeros de banda con jerseys gruesos y mallas en el contexto pastoral de Devil's Dyke, cerca de Brighton.

"Queríamos un lugar cretácico calcáreo que ofreciera un buen lugar para perseguir con vistas a hermosas colinas", explica Mark. “Hacía muchísimo frío durante el rodaje, pero para nosotros era crucial capturar esa emoción cruda de la gente disfrutando de su campo natal en mallas, ¡así que el clima realmente ayudó! Eso es lo que intentamos lograr con nuestras piezas musicales, por eso no había mejor lugar que el Dique en invierno”.

Claramente, la banda tiene una habilidad especial para traspasar los límites de la vestimenta, como lo demuestra su incómoda combinación de teñido anudado y pintura de cadáveres. "Parecía una buena manera de unir a la gente, mostrándoles que está bien disfrutar de la quema de iglesias con un par de pantalones de cáñamo", explica Mark.

Chubby Thunderous Bad Kush Masters se formó cuando Mark conoció al bajista Will en “un pequeño festival de motociclistas en un pub en Ware”. Después de haber hecho un anuncio buscando un guitarrista, encontraron a Owen, ex líder de los sludge-stoners de la costa sur, Dopefight. "Cuando nos reunimos, sonaba bastante crujiente, así que nos quedamos con eso", afirma Mark. "A todos nos gusta la música y los kebabs, así que supongo que eso iba a suceder".

La pasión por los kebabs es un tema unificador crucial, junto con el odio a Donald Trump; De alguna manera estos impulsos se fusionaron en su escandalosa canción de protesta Döner Trump. “Todos somos fuertes ateos socialistas liberales y opinamos que, para citar a Viv [Savage, Spinal Tap], la gente debería pasar un buen rato, todo el tiempo. Desafortunadamente, la idea que algunas personas tienen de pasar un buen rato hace que otros lo pasen mal”, dice Mark, delineando el punto de vista semi serio de la banda. “Nos gustan los kebabs y a muchos de nuestros compañeros también les gustan los kebabs, así que intentamos pasar un buen rato juntos. Realmente contrasta con algunas de las grandes figuras del mundo que, hasta donde he visto, nunca parecen comer doner wraps, pero siguen empeorando las cosas para sectores enteros de gente. Todos son iguales, no importa lo cabrones que sean”.

Cuando se le pide que defina la perspectiva lírica de la banda, Mark responde: "Antiguos demonios celtas, gobiernos totalitarios, desigualdad, malas experiencias con las drogas y comer doner con otros humanos... Eso resume bastante bien nuestro mensaje". ¿En cuanto al futuro? “Esperamos abrir una cadena de kebab y utilizar las ganancias para seguir comiendo en cualquier lugar donde la gente nos quiera. Hemos tenido mucho placer comiendo kebabs Rusholme, por lo que una gira por Afganistán sería realmente algo…” (CC)

Va con el territorio de la fatalidad funeraria, pero en caso de que no estuvieras seguro de qué tipo de dinámica esperar del álbum debut de Amarok, el hecho de que comprenda solo cuatro canciones (la más corta con 11 minutos relativamente rápidos) debería dejarte sin palabras. sin duda. "Nunca nos propusimos alargar nuestras canciones", explica el covocalista y bajista Brandon Squyres. “Simplemente preferimos un tempo más lento y no es raro tener algunos riffs que duran un minuto. El tipo de música que hemos elegido escribir se presta a una construcción lenta y requiere una inversión por parte del oyente. Somos plenamente conscientes de que esto no es para todos”.

Aún así, su compañero vocalista y guitarrista Kenny Ruggles bromea acerca de “algún día crear una canción de menos de seis minutos”. Y continúa: “Eso sería un gran logro para nosotros. Dicho esto, una vez hicimos un cover de The World Has Turned And Left Me Here de Weezer. Fue un desafío mantenerlo por debajo de los 10 minutos con nuestro ritmo glacial. ¡[El líder de Weezer] Rivers Cuomo tuvo que estar empapado en melaza cuando terminamos con nuestra versión!

La fusión apocalíptica de sludge y funeral doom de la banda estadounidense se elaboró ​​por primera vez a través de un EP y tres splits con sus compañeros doomsters Enth, Pyramido y Hell respectivamente antes de grabar Devoured en el transcurso de una intensa semana en Los Ángeles con Sanford Parker, quien es descrito por Kenny como "el maestro del mazmorra".

“Fue un registro de dolor, sufrimiento y miseria”, dice, “pero Sanford le aportó una actitud adicional. Devorado representa la muerte pero también el renacimiento. Como banda, hemos pasado por muchas dificultades personales mientras escribíamos esas canciones, pero siempre puedes encontrar una luz en la oscuridad. Se trata de percepción. Después de todo, se pueden escuchar himnos catárticos y terapéuticos provenientes de los inframundos cósmicos”.

Para Nathan, su segundo guitarrista, la música es como la meditación. “De hecho”, revela, “utilizamos cuencos tibetanos en el mismo tono que nuestro instrumento de seis cuerdas para la introducción de la canción principal. Nuestra música invita mucho al oyente a dejarse llevar. ¡Y headbanging! (TRANSMISIÓN EXTERIOR)

“Tenía muchas ganas de formar una banda que sonara como Black Sabbath”, comienza el guitarrista y vocalista de BlackLab, Yuko Morino, sentimiento que sin duda ha precedido al nacimiento de muchas buenas bandas. “Al principio éramos un trío y cuando el primer baterista dejó la banda invité a Chia [Shiraishi], quien tocaba conmigo en [la banda femenina de hardcore de tres integrantes] Depth, a unirse. Cuando el bajista se fue, decidí tocar la guitarra y el bajo yo mismo en lugar de intentar que alguien más se uniera a BlackLab. Casualmente tenía un pedal de octava, lo cual fue una suerte, así que al final funcionó”.

'Worked out' es un eufemismo dado el estruendo deslumbrante que crea el dúo: una pared imponente de riffs a todo volumen, abuso penetrante del pedal wah y un asalto rítmico contundente. Sin embargo, la configuración de dos piezas no está exenta de ventajas y desventajas.

“Los beneficios son que tenemos el sonido perfecto entre nosotros dos y no tenemos que comprometernos con ningún otro miembro de la banda en esto. Los honorarios del estudio de ensayo también son más baratos”, dice Yuko. “Creo que una de las principales desventajas es que las líneas de bajo no pueden correr libremente y el sonido puede volverse un poco fino cuando llegas al solo de guitarra, aunque ideé un método para que esto no nos suceda a nosotros. Todas las canciones de [álbum debut] Under The Strawberry Moon fueron grabadas por Chia y por mí”.

El álbum acaba de ser remezclado por el extraordinario productor Wayne Adams [Vodun, Casual Nun, etc.], enfatizando el atronador fuzz del dúo hasta un grado ridículo. "Estoy muy feliz y, por supuesto, muy contenta con el resultado del álbum", sonríe Yuko. “Nuestra intención con el EP y el split era poner énfasis en el volumen. ¡Cuanto más fuerte mejor! Por supuesto, en el álbum el volumen seguía siendo muy importante, pero también nos centramos más en las texturas que componían el sonido de BlackLab. Queríamos que este disco tuviera una sensación más analógica tradicional”. (kilovatios)

Surgiendo del ennegrecido lodo elemental del que emerge todo el heavy, el Witchskull de Australia regresa con un feroz esfuerzo de segundo año que ha inyectado una inyección tonificante de adrenalina en las arterias fulminantes del metal psicodélico. Formado en 2014, el trío de Canberra lanzó un revelador debut impulsado por riffs en 2016 que entregó torrentes de robusto proto-metal de los 70 a través de un prisma completamente moderno. La continuación, Coven's Will, ve a la banda inclinar su sonido hacia una campaña aguda y agitada de temible potencia.

"Queríamos mantener la misma franqueza y simplicidad y tocar todo de una manera muy primaria y basada en el ritmo", dice el vocalista y guitarrista Marcus de Pasquale. “Nos gusta que las cosas sean un cruce entre la fatalidad de Sabbath y la arrogancia de Motörhead. Nuestro lema es tocar ritmos primarios y salvajes con mucho mestizaje en ellos”. Cuando se le pregunta qué más se puede escuchar en cuanto a influencias, Marcus responde: "Los cantos de los cuervos, las fuertes lluvias, la corriente 93, la luna, los reflejos, los instintos y los sueños".

Se ha dicho que la música psicodélica más fuerte aparece en épocas de mayor agitación social y política, como a finales de los años 60. Marcus está de acuerdo y explica: “El arte suele surgir de una necesidad instintiva de expresar algo profundo y eso suele implicar una lucha interior. Creo que intentamos capturar esa angustia y agresión internas y canalizarlas a través de la música”.

Desde las letras de Witchskull hasta las ilustraciones de su álbum y su mismo nombre, las imágenes ocultas ocupan un papel destacado en su manifiesto cósmico. Si bien algunas bandas pueden confiar en estos tropos para promover una imagen, Marcus es un buscador espiritual profundamente comprometido, que se basa en años de estudios ocultistas para informar la visión de la banda. “El primer libro sobre ocultismo que compré fue un libro de tarot (El Libro de Thoth) cuando tenía 12 años. A los 13 compré los libros de [Anton] LaVey y alrededor de los 21 comencé a comprar libros de Golden Dawn y Thelema, Crowley. cosa. a los 24

Empecé a ir a Sydney para pasar el rato con OTO Oceania Lodge, donde comencé a practicar yoga. Estuve muy interesado en el hermetismo hasta los 30, cuando comencé a dedicarme más a la música. La música es una forma de arte elevada, que tiene una fuerte conciencia espiritual del sonido. Me encanta la distorsión y la retroalimentación y las veo como fuerzas poderosas de la naturaleza”.

Coven's Will vio a la banda volar al otro lado del mundo hasta Nueva York para capturar la gama precisa de tonos que requería la música. “Fuimos a un estudio increíble en Brooklyn llamado Studio G, que tenía toneladas de equipo analógico increíble, incluido un viejo escritorio Neve de la BBC en Inglaterra. Nos permitió conseguir la calidez y profundidad del sonido que esperábamos”.

Le preguntamos dónde ve Marcus a la banda dentro de 10 años y su respuesta habla de su compromiso inquebrantable no solo con su arte, sino también con sus compañeros de banda. “Creo que nuestro destino es permanecer juntos hasta la muerte. Amo tanto a los chicos de Witchskull como a mis hermanos y estoy feliz de cómo van las cosas. Estamos ansiosos por llegar a Europa para tocar en algunos shows”. (JD)

¿Te apetece un viaje? Las Luces Antiguas ciertamente lo hacen. Un encuentro extraordinario de mentes alimentadas por mantras, esta colaboración entre Adam Richardson (11Paranoias/ex-Ramesses) y el gurú de la guitarra de 5ive Ben Carr nació como una idea cuando sus antiguas bandas realizaron giras y tocaron juntas en 2004. Más de una década después, y Con el baterista Tim Bertilsson instalado como la última pieza del rompecabezas sonoro, esa idea se ha convertido en una realidad alucinante en el debut homónimo de Ancient Lights.

“El inmenso sonido combinado de ambas bandas alimentó la llama”, recuerda Adam. “Solo hicieron falta 13 años para arder. La incorporación definitiva de Tim a nuestra banda fantasmal catalizó el sueño hacia un plano de casi existencia. Ese es un sentimiento que creo que es audible en nuestro LP. Es un sonido que a la vez vino de la nada y de todas partes”.

Un paseo libre, impulsado por drones, a través de bosques densos y alucinatorios y llanuras mentales cavernosas y devastadas por el sol, la música de Ancient Lights surgió del equivalente alucinante y fatalista de la llamada escritura "automática".

“Ni siquiera nosotros estamos seguros de cómo se generaron la mayoría de estas exploraciones”, confiesa. “Grabamos seis horas de música y tomamos una pequeña cantidad de fruta madura. Estas canciones inaugurales son creaciones subconscientes y, a menudo, sorprenden tanto por su resultado como por su efecto sobre el oyente y sobre nosotros mismos”.

Lo que Ancient Lights está vendiendo no es para los decididamente terrenales, sino para aquellos felices de sintonizar sus frecuencias desorientadoras, presumiblemente mientras están horneados más allá de todo reconocimiento, el potencial psicodélico es innegable. Para Adam, las canciones evocan “un universo inventado que evoluciona eternamente a través de la experiencia masiva y la conciencia vinculada: una galaxia infinitamente floreciente pero abarrotada de estrellas negras que no brillarán sobre ti y permanecerán ocultas a la vista incluso aunque puedas sentirlas presionando. en ti todo el tiempo.

“Pero no quiero influir en lo que la gente ve en su mente”, concluye. "Preferiría que todos tuvieran su propio viaje y compararan notas con otros después de que su viaje haya terminado". (DL)

Después de haber acumulado un álbum debut homónimo en 2014, el trío Secret Cutter de Bethlehem, Pensilvania, está perfeccionando su híbrido mestizo de lodo enfermizo, espeso como melaza y molienda candente, hasta convertirlo en algo que se acerca a los sonidos en su cabeza.

"En nuestro primer siete pulgadas pusimos una especie de ritmo explosivo y sentí que era un buen indicador de hacia dónde debía ir nuestro estilo", dice Evan Morey, cuyo tono de guitarra pesado y concreto impulsa gran parte del segundo álbum de su banda, Quantum Eraser. . “La intención al principio era ser una banda más lenta; A nuestro baterista le gustan mucho las cosas más rutinarias y Ekim se crió en bandas de Earache de principios de los 90, pero no buscamos ningún tipo de sonido, solo queremos hacer lo que sea impactante y contundente para nosotros”.

El resultado es un álbum donde la intención y el instinto han chocado para lograr un efecto estimulante. Quantum Eraser es un disco resbaladizo de agarrar, una bestia asquerosa que hay que domar, que te golpea con toda su fuerza en el estómago antes de estallar entre los ojos; su producción, cortesía del productor de Integrity and Obituary, Brad Boatright, recuerda el traqueteo e indómito sonido del ruido. incondicionales del rock Unsane o The Jesus Lizard. Es desorientador de la manera más emocionante. Evan supone que la configuración de Secret Cutter y su falta de bajo pueden ser la clave para comprender su identidad.

“Nuestro trío es un poco diferente. No tenemos bajista, podemos salir y experimentar un poco más”, afirma. “El modelo de trío para nosotros era realmente el de esas bandas que sólo hacían guitarra, batería y voz. Me viene a la mente Floor, el material de la época media sin bajo y Pig Destroyer. Esas bandas fueron una gran influencia para nosotros”.

El álbum es distribuido en los EE. UU. por Deathwish Inc (y Holy Roar aquí en el Reino Unido), y Evan se apresura a respetar los valores de su fundador. "No estamos firmados con Deathwish", explica, "pero somos una empresa de bricolaje". banda con una ética de bricolaje, e intentamos escribir y grabar como lo haría Kurt Ballou. Son una inspiración para nosotros y nuestra escena”. (SH)

A principios de este año, el aquelarre italiano Messa presentó su nuevo álbum, Feast For Water. Una obra de una decadencia doom maravillosamente inquietante y sofisticada, infundida con jazz, que rebosa de encantamientos vocales elegantemente fascinantes, delicadas florituras de piano Rhodes y melancólicos fuzz-dige de los 70, un estilo al que la banda se refiere cariñosamente como 'Scarlet doom'.

Canalizando algunos temas esotéricos pesados, Feast For Water es un álbum conceptual que trata temas ocultos, en particular las características simbólicas y rituales del elemento líquido. “Cuando empezamos a componer este álbum”, explica la vocalista Sara, “lo imaginamos como la siguiente parte de nuestro primer disco, Belfry. El concepto de ese álbum es el campanario y cómo reúne a la gente. La portada del Campanario presenta una torre medio sumergida. La segunda parte comienza con una inmersión en el lago. Es un viaje que arrastra a la persona a la oscuridad de aguas profundas. El agua es un elemento simbólico de pureza, sencillez. Y es muy importante en rituales de cualquier tipo, especialmente para iniciaciones. El agua puede traer vida y robarla”.

Feast… muestra la progresión de la banda desde el canto fúnebre del heavy metal hacia composiciones más intrincadas y maduras. El catalizador de este cambio, explica Sara, fue el piano Rhodes comprado por el guitarrista Alberto. “Decidimos incorporar este instrumento a las composiciones, porque nos encantaba. Nos permitió experimentar y ser más creativos con nuestra música. La elección de utilizar el piano Rhodes, junto con las voces de los acordes, hizo que todo sonara más "jazz". Feast For Water es un disco más complejo y pasamos mucho tiempo en la sala de ensayo para que sonara exactamente como queríamos. Aún así, fue algo espontáneo y natural. Acabamos de mudarnos a un territorio diferente, pero logramos conservar nuestras raíces "más pesadas". ¡Cuando sintamos la necesidad, comenzaremos a desarrollar la tercera parte de este camino! No queremos que nuestros discos suenen todos igual. Nos encanta la naturaleza prismática de la música”

El peculiar apodo y los títulos de las canciones de Messa, 'Scarlet Doom', insinúan el tema críptico de la banda y la influencia de las obras del notorio ocultista inglés Aleister Crowley. “Fui a la Abadía de Thelema [el sitio del templo de Crowley en Sicilia] dos veces el año pasado”, dice Sara. “En realidad, la letra de nuestra canción Leah nació después de pasar algunas horas dentro de ese lugar. Durante la creación del álbum he estado leyendo piezas como The Book Of Lies de Aleister Crowley, poesía de Yeats y Songs For The Witch Woman de Jack Parsons y Marjorie Cameron. Estos son sólo algunos ejemplos. Este disco es sólo el resultado de todas nuestras personalidades mezcladas, todos nuestros intereses, espíritu y visiones materializados en este tipo de trabajo. Creo que hacer música es mágico, de alguna manera, pero no tenemos un 'manifiesto', por así decirlo. Las letras de Messa son muy personales y son simplemente una forma en que siento y veo las cosas que me rodean. Es sólo mi propia perspectiva”.

Quizás como resultado del régimen católico dominante en el país, la escena del heavy metal italiano parece estar desafiantemente vinculada al ocultismo. Bandas como Death SS, Jacula y Mortuary Drape parecen haber sido muy serias al combinar sus creencias religiosas con la música, creando una cultura en la que Messa claramente se ha inspirado. “Nacer y crecer en un ambiente católico estricto es la chispa perfecta para destruirlo”, concluye Sara. “Ser obligado a seguir algo en lo que no crees era más frecuente en el pasado. Creo que esas bandas fueron fundamentales para el underground italiano, porque abrieron las puertas a todo lo que vino después”.

Texto de: Joe Daly, Kez Whelan, Dom Lawson, Chris Chantler, Oliver Badin, Stephen Hill, Liam Yates

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